Esta pregunta se refiere a un escándalo en el mundo del teatro. La herencia del fallecido dramaturgo Edward Albee retiró los derechos de “¿Quién teme a Virginia Woolf?” de un director que interpretó a un actor negro en el papel de Nick, un personaje que se describe en la obra (en ambas direcciones y diálogo) como rubio, ojos azules y aryan.
La obra también se desarrolla durante un tiempo (principios de los 60) cuando una persona negra en su posición (profesor universitario casado con una mujer blanca) habría sido notable, y los otros personajes de la obra (no siendo personas educadas) habrían hecho comentarios al respecto
El estado afirma que están protegiendo los deseos de Albee.
Aquí está mi opinión sobre el tema, que probablemente terminará de manera diferente de lo que parece que va a terminar, si intenta predecir mi postura a partir de los primeros puntos que hago:
– El patrimonio tiene el derecho legal de hacer lo que están haciendo. Nadie lo discute, incluido el director.
– No tenemos suficiente información, si no pasamos por nada más que los eventos descritos anteriormente, para determinar si Albee y su patrimonio eran / son racistas. Posiblemente lo sean. Definitivamente son racistas si, para no ser así, se requiere que usted siempre ponga la igualdad racial por encima de todas las demás preocupaciones. Pero pocas personas creen eso.
Aparte de una minoría de feroces Guerreros de la Justicia Social, dudo que mucha gente diga que soy racista, solo porque estoy en contra de que se pintaran 2/3 de las caras en la pintura en el MET, para que reflejen una representación precisa de la población en el momento en que fueron pintados.
Sí, ese es un ejemplo extremo (absurdo). Mi punto es que muchas personas que odian el racismo todavía dicen: “En este caso, creo que necesitamos proteger algo más”. En ese caso, tal vez, está protegiendo artefactos históricos de la desfiguración. (Creo que, si es posible, debemos lograr la justicia de otra manera, por ejemplo, colgando algunas pinturas nuevas en el MET).
Para tomar otro ejemplo, si estuviera haciendo una película en la que fuera clave para toda la trama que dos personajes fueran gemelos idénticos, dudo que muchas personas me llamen racista si me niego a elegir a un actor negro y un actor blanco como protagonistas. .
– Estoy de acuerdo con la evaluación del estado de Albee de que no tiene sentido que los otros personajes se refieran a Nick como “rubio” y “ario” si claramente no lo es. Eso confundirá a la audiencia.
También creo que tienen razón en que, si el personaje no fuera blanco, se mencionaría en la obra. Es particularmente difícil imaginar que George, uno de los otros personajes, no lo mencione, porque Nick está amenazado sexualmente por Nick y no tiene miedo de lanzar insultos a Nick, y a principios de los años 60, no habría sentido la necesidad de hacerlo. evitar el uso de insultos raciales.
El patrimonio puede o no ser racista (por ejemplo, pueden haber revocado los derechos con gusto o con un triste sentido del deber), pero están haciendo su trabajo.
– No comprendo el argumento de que “el público lo entiende”, que pueden escuchar “cabello rubio” ver cabello castaño y entender que mientras el personaje es rubio, el actor es negro.
Los aficionados al teatro experimentados, acostumbrados al casting no tradicional, y las personas que han visto la obra antes, pueden entender eso, pero para muchas personas será desconcertante, tan desconcertante como si uno de los personajes de “Girls” fuera interpretado por Hombre de 52 años. (La gente del teatro tiene el mal hábito de asumir que todos los asistentes al teatro son expertos en teatro. He visto tantas producciones extrañas de Shakespeare que solo tienen sentido si ya conoces la obra realmente bien).
Y las personas que lo obtengan aún serán retiradas de la obra. A menos que hayan leído sobre el casting de antemano (y ya conozcan la historia), tendrán al menos unos momentos de perplejidad. Luego pensarán “Ya veo. Elegieron un actor negro, pero se supone que el personaje es blanco”.
Al darse cuenta de esto, algunos miembros de la audiencia pueden estar felices y otros no, pero, en cualquier caso, se distanciarán, pensarán en el actor y el director, ninguno de los cuales es parte de la historia. No culpo a Albee por no querer que ocurra ese tipo de distanciamiento.
– Entonces, ¿estoy argumentando a favor de lo que hizo la finca? Sorpresa sorpresa. No. Lo que hicieron, lo que tienen el derecho legal de hacer, es profundamente inmoral, y lo que hizo el director, aunque posiblemente tonto en términos de poder realizar su obra, fue su derecho (moral).
En mi opinión, los derechos de autor son un mal. Daña a la sociedad. Cuando un escritor (artista, lo que sea) publica su trabajo, debe convertirse instantáneamente en dominio público. El hecho de que no ayude al artista, pero perjudica al público, porque significa que otros no pueden mejorar el trabajo o hacer variaciones útiles.
La sociedad se beneficiaría al tener una versión mejor (o incluso igual de buena pero diferente) de “Star Wars”, pero ese beneficio no sucederá sin la decisión de Disney, y Disney no tomará esa decisión basándose en lo que Lo mejor para la sociedad. Y muchos artistas ni siquiera intentarán hacer una variante de “Star Wars”, especialmente si no pueden pagar una tarifa de licencia. Pensarán “¿Cuál es el punto?”
Un Nick negro es una elección extraña, pero a los directores se les debe permitir tomar las decisiones extrañas que quieran. Se les debe permitir tomar malas decisiones. En realidad, no sabemos si resultaría significativo o no hasta que se pruebe. Debido a la ley, se nos ha negado la posibilidad de averiguarlo.
No creo que sin el derecho de autor no tendríamos arte, porque los artistas no podrían ganar dinero. El arte ha existido en todas las culturas, en todos los períodos de tiempo, ya sea que los artistas hayan ganado dinero o no. Hacer arte es una de las cosas que hacen los humanos. Es imposible detener el arte.
Sin derechos de autor, habría cambios . Algunos artistas dejarían de hacer arte. Algunas compañías que crean arte cerrarían sus negocios. Otros florecerían. Con los derechos de autor, nos estamos perdiendo todo tipo de arte que de otro modo podría existir.
He estado perdiendo dinero haciendo arte durante 30 años, y tengo la intención de seguir perdiendo dinero haciéndolo. ¿Me gustaría poder dejar mi trabajo diario? ¿Seguro? ¿La sociedad en general está mejor si puedo escribir una obra de teatro y evitar que todos los demás experimenten con ella? No. Aprendemos y crecemos experimentando.
Es posible que el director haya solucionado los problemas de la trama cambiando algunas líneas, cortando las referencias arias y agregando algunos insultos raciales. Pero entonces la finca realmente tendría ladrillos de mierda.
Incluso si tiene una visión más moderada, y desea permitir que los artistas protejan sus obras con derechos de autor, para que puedan ganar dinero con ellas, Edward Albee no necesita dinero. Él está muerto. Como máximo, los derechos de autor deben caducar cuando caduque el escritor.
ACTUALIZACIÓN (25 de mayo de 2017) :
“¿Quién teme a Virginia Woolf?” Segunda parte: David Mamet Edition
Esta semana nos trae un escándalo similar, en el que David Mamet se ha negado a permitir que un teatro sea el anfitrión de una conversación de talkback después de una de sus obras.
Mamet no es una figura popular en estos días, especialmente con muchos de nosotros de izquierda y muchos de nosotros que somos feministas. Como resultado, una vez más, hay algunos matices que la indignación está drenando de la conversación.
Aquí está mi opinión: como es de esperar si lees mi última publicación, estoy profundamente en contra de las sanciones artísticas. Si Mamet tiene o no el derecho legal de hacer esto (dudoso en mi mente: me pregunto qué pasaría si el teatro lo llevara a la corte), creo que es muy inmoral.
No diré mucho más sobre esto, porque expliqué mi razonamiento la última vez. En resumen, creo que la cultura sufre cuando los derechos de autor o “las intenciones del autor” bloquean la innovación y la variación. Y la cultura debe tener prioridad sobre Mamet o Albee Estate.
Pero esta no es la crítica que estoy leyendo en los artículos de indignación. En su mayoría dicen: “Lo que Mamet no entiende es que las jugadas son solo un punto de partida para la discusión”. Estos artículos hablan sobre el poder del teatro para unir a las personas y hacer que hablen sobre temas, y, con suerte, les inciten a hacer cambios en sus vidas.
Los menos caritativos sugieren que Mamet quiere evitar que la gente hable sobre los problemas que plantea en sus obras, porque le preocupa que si lo hacen, digan cosas críticas sobre él. (Tal vez sea cierto. No tengo idea de lo que Mamet quiere o teme).
Pero hay otro aspecto de esto, artístico. Es una decisión estética arbitraria y personal decir cuándo termina la actuación. ¿Termina después de la última línea de la obra o termina cuando la audiencia ha dejado el teatro?
No hay una respuesta correcta a esa pregunta, pero es razonable que los artistas individuales tengan una estética individual al respecto y quieran controlar ese aspecto de la actuación (o renunciar deliberadamente al control sobre ella), dependiendo de cómo, personalmente, definan la actuación. fronteras
Digamos que una compañía de teatro decide que quieren interpretar una de las obras de Mamet, pero en lugar de hacer el Acto Dos como él la escribió, querían interpretarla como un espectáculo musical o de payaso. Mucha gente que no simpatiza con sus sanciones contra las conversaciones negativas sería más comprensivo en ese caso.
(Aunque, incluso entonces, yo diría que el teatro tiene el derecho moral de hacer la versión musical / espectáculo de payasos).
La diferencia, aquí, es que “el segundo acto es parte del espectáculo mientras que una conversación posterior no lo es”. Esa es la distinción que llamo arbitraria. Y por “arbitrario”, no quiero decir sin importancia. Creo que es de vital importancia, pero no es una línea objetiva que se pueda dibujar en la arena.
Aquí hay un escenario: digamos que soy contratado por un productor para dirigir un espectáculo en su teatro. Digo “Debido a que esta obra es seria y sombría, me gustaría una llamada de cortina restringida. Los actores saldrán, harán una reverencia y luego saldrán del escenario. Sin codificaciones …”
“No es así como hacemos las cosas aquí”, dijo el productor. “Tenemos audiencias entusiastas, y les gusta ponerse de pie y animar … Es nuestra tradición traer a los actores de regreso una o dos veces”.
“Entiendo eso, pero realmente creo que esto es necesario. Soy el director y la llamada al telón es parte del espectáculo”.
“No, no lo es. La llamada de telón llega después de que termina el espectáculo”.
¿Quién tiene razón sobre si la llamada a la cortina es o no parte del espectáculo? No estoy preguntando quién tiene el derecho legal de imponer su voluntad, aquí. Eso depende del contrato. Estoy preguntando si podemos decir objetivamente cuándo termina un espectáculo.
En mi opinión, la respuesta es no. Las personas pueden tener opiniones fuertes, pero no hay forma de respaldarlas, aparte de insistir en que tienen razón:
“¡Maldita sea! ¡La llamada de la cortina no es parte del espectáculo!”
“¡Sí lo es, maldita sea!”
Cualquier argumento que pueda reducirse a “¡No lo es!” “¡Es así!” Pertenece al patio de la escuela.
Hay una pregunta extremadamente buena, una que trasciende este evento histórico, que pronto se olvidará, sobre los méritos artísticos de los talkbacks. Y, como se puede ver en las piezas de indignación, esto va más allá del arte de un solo espectáculo a fuertes sentimientos sobre la función del teatro en la sociedad.
¿Es el punto principal de un programa contar una historia, o es ser un catalizador para la discusión y el cambio social y político?
Si es lo último, ¿entonces las conversaciones son la mejor manera de alentar el cambio, o es mejor dejar que las personas se vayan en silencio y tengan tiempo para pensar antes de hablar? (¿Las reacciones negativas conducirán a más acciones, o satisfarán a una audiencia que ya han tomado medidas, porque se purgan de todo lo que el programa puso dentro de ellos al hablarlo?)
La mayoría de las conversaciones son intelectuales en contenido. La gente inmediatamente comienza a hablar sobre preocupaciones temáticas o sobre la mecánica del juego. Las obras son en gran medida eventos emocionales y viscerales. ¿Nos sirve mejor cerrar una discusión intelectual contra un desempeño emocional? ¿Nunca es bueno hacer esto? ¿A veces? ¿Siempre?
Por supuesto, los miembros individuales de la audiencia pueden optar por salir (o no salir) a tomar algo después de la obra y discutir. Pero eso es diferente de ser alentado o invitado por las mismas personas que montan la obra para permanecer en el mismo teatro, en los mismos asientos y tener esa discusión. Ya sea que esa discusión sea o no parte del espectáculo, definitivamente es parte del evento de teatro.
(Si Mamet se opuso a que una de sus obras de un acto se hiciera consecutivamente con otra obra, la gente podría ser más comprensiva. Esto es similar. La Obra dos afectará la experiencia de las personas de Play One. Un Talkback (que es una especie de Play Two) también afectará cómo se sienten las personas sobre la obra que acaban de ver).
Puede ser una experiencia particularmente potente para los miembros de la audiencia escuchar a actores y directores discutiendo sus ideas sobre la obra. Eso puede, para bien o para mal, colorear sus experiencias de toda la noche. Para mí, tiene sentido que un artista tenga una opinión sólida sobre si quiere o no que eso suceda.
¿Qué pasa si una obra, en sí misma, deja a las personas con un sentimiento ambiguo sobre uno de los personajes, pero, en una conversación inmediata después, el director dice “Pensé en ese personaje como un villano, porque …”? Su autoridad podría empujar al público de una experiencia ambigua a una más parcial. Eso no es necesariamente bueno o malo. Pero es una elección y debe hacerse con cuidado.
Me enfrento a esto cuando se trata de anuncios previos al espectáculo. Me gusta crear un ambiente para que la audiencia entre, para que cuando comience el espectáculo, no sea un cambio de contexto abrupto de la realidad a la historia.
A menudo tengo actores en el escenario cuando el público entra a la casa, o tengo música ambiental. Evito poner notas del director en el programa, ya que no quiero perjudicar a la audiencia con una idea intelectual. El estado de ánimo que estoy tratando de crear se rompe con “Nuestro próximo show será … y la emergencia que existe es …”
Ahora vivo en una ciudad donde esa es la norma, y tengo que decidir, en cada producción, si luchar contra esa tendencia o no. (Si soy un director contratado, la elección probablemente no dependerá de mí). Eso está bien. Debería ser una elección reflexiva: artística.
No soy un gran fanático de meter otras experiencias en el teatro, junto con la obra. Me gusta la idea del teatro como un rito religioso, uno que comienza cuando entras en el espacio y termina cuando lo dejas. Así que simpatizo con las preocupaciones de Mamet.
Como también creo firmemente en la libre expresión artística, incluso hasta el punto de detestar los derechos de autor, lo que me gustaría ver, en mi mundo perfecto, es que Mamet retire sus sanciones y, en su lugar, escriba una carta abierta al teatro, explicando por qué preferiría que hicieran la obra de forma aislada, sin comentarios en DVD al final.
Después de usar toda su elocuencia para exponer su caso, debería retirarse y dejar que tomen su propia decisión, y debería celebrar vivir en un mundo en el que los artistas pueden hacer precisamente eso.
